一、 内涵的理解：
所谓内涵，主要是指作品的内在涵义即思想情感。理解作品的涵义，是翻唱的基础。拿到一首歌曲，先不要急于唱谱，而需要将歌曲反复朗诵几遍，以便从中了解主人公所处的时代背景、特定环境跟思想情感。一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的极力感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每个乐章之中，歌唱者需要仔细地去开掘和传达。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。一个演员或歌唱者文学修养的深线，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学听的人，往往单纯从绘画技法来谈歌唱表现，因此经常的接触面非常窄，不看小说不看画，不读古诗不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不宽广，知识不丰富，这样的学听是唱不出情感来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为唯有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。
二、 意境的想象：
意境的想像，就是要尽量去启发音乐的想象力，演唱者应按照乐曲的内容跟戏剧形象，在自己的头脑中化为一幅幅活动场景，把自己化为作家、诗人，也成为佳作的主人公。换句话说，就是要象艺术导演进入角色一样去身临其境。如果你把一首歌曲的基本心态和意境设想得更准确，那么你在表达时才会更真实和生动。想象和意境会迅速帮助你建立起正确的戏剧形象以及说歌词的主人公的形象来，歌曲的主人公形象完整、统一了，歌曲的主题观念也就确立了，这样才会达到情真意切。当然歌唱者解释音乐的素养，不是一日之功，它是一种生活的积累，记忆的积累，情感的累积「音乐与情感」，这种积累越多，越丰富，“灵感”也越活跃，越丰富。因此成为歌者，应随时用嘴巴和眼睛去搜集跟倾听各种生活的场景和声音，去体验生活，从而提高我们对生活跟人物的理解素养和想像能力，从而最深切地理解作品的涵义。
三、 声音的运用：
我们在演奏一首作品时，运用什么样的声音能够符合作品的观念内容跟爱情，这是值得研究跟设计的难题。作为歌者有了美好的声音外，能驾驭各类声音跟音色变化的素质显得尤为重要，比如面对一首进行曲时应选择雄壮的嗓音，面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的嗓音，面对一首摇篮曲时则应该用温和甜蜜的声音之类。这里对声音也要有一个想象的过程，如对一首抒情柔和的乐曲时，可以把声音设想为“轻柔的纱巾在清风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上；又如听一首柔美而又轻盈的乐曲时，又能把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之，我们要善于调动人声的声音“库”中更正确的嗓音，唱出歌词内容所必须的感官效果，贴切地体现作品。
四、 风格的掌握：
作品的混搭或者说音乐的色调把握得好与坏，演唱的效果是大不一样的。我们经常唱一些独奏音乐会的表演，有的人声音非常可爱，发声技巧也更精湛，但整台音乐会从美国歌曲唱到欧洲的复古艺术金曲，听上去声音上也好，力度上也好，韵味上也好，总是一个样，一个味，让人听了过耳即忘，缺少灵魂的共鸣和戏剧的回味，更有甚者太缺乏艺术修养和文化修养，把诸多风格的歌曲混淆在一起，使之南腔北调，南辕北辙，与原作差距甚远。造成这种现象的诱因主要是歌唱者没有很好地在唱歌前对作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格等进行严谨的剖析和认识，没有能恰如其分地用自己的唱歌技巧来抒发作品的格调。因此歌唱者要准确地表现作品的涵义还需要事先研究作品的风格（也就是演唱风格）。当然与其他兄弟艺术相比，音乐的色调具有更多的抽象性。音乐是无形的时间艺术，而美术、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术，因而它们的色调通常比戏剧更容易一目了然。一个歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品的理解跟风格的掌握，因为风格的产生，主要就是建立在更深刻的了解基础上的。成熟的歌唱家是可把作曲家的作画意图跟作品的色调特性淋漓尽致地体现出来，能把音乐的全部意义，让观众“一耳了然”的。